القصة

لماذا تظهر بعض الصور المرسومة إشارة الموضوع؟

لماذا تظهر بعض الصور المرسومة إشارة الموضوع؟



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

لقد زرت للتو Royal Castle في وارسو ، بولندا ، ولاحظت أن العديد من الصور تظهر الهدف وهو يشير إلى شيء ما ، غالبًا خارج الإطار ، على سبيل المثال هذا.

لماذا هذا؟


تمثل حقيقة أن الفنان غير معروف مشكلة في أنه تم تطبيق تفسيرات مختلفة لإيماءات اليد على فنانين مختلفين (انظر مزيجًا من المساحة التصويرية والحقيقية على سبيل المثال) ، خاصةً عندما يشير الموضوع إلى شيء خارج الإطار. ومع ذلك ، هناك بعض "المؤشرات" العامة التي يمكن تطبيقها في كثير من الحالات.


من المحتمل أن يكون التفسير الأكثر ترجيحًا لإيماءة أغسطس الثاني في الصورة أدناه هو:

اليد التي بها إصبع السبابة مشيرة ولكن المستوى يعني أن الشخص يسير على المسار ويمضي على طوله - في العملية كما كان. هناك معنى إضافي مفاده أنهم يعرفون إلى أين يتجهون - يعرفون مصيرهم.

أغسطس الثاني القوي (المتوفى 1733) ، ناخب ساكسونيا ، ملك بولندا ، دوق ليتوانيا الأكبر. مصدر الصورة

هناك نظرة ثقة حول الصورة ككل ، وأن الموضوع يعرف إلى أين يتجه ، وهي صورة يرغب أي حاكم في عرضها. تؤكد هذه الإيماءة باليد اليسرى.

إيماءة أخرى شائعة هي الإشارة إلى الأسفل ، والتمثيل

… روحهم العليا تصل إلى الروح. المعنى الضمني هو أن الشخص ليس على الطريق بعد ويتم "البحث عنه" ، لأنه في حالة براءة [أو جهل إذا كنت تفضل ذلك].

السير توماس شالونر (ت 1565). مصدر الصورة

تظهر الإشارة أيضًا في بعض اللوحات ، وربما كان أشهرها في ليوناردو دافنشي العشاء الأخير و أيضا القديس يوحنا المعمدان، التفسير الشائع هو (بدون عجب) الجنة. على سبيل المثال،

... شخصيات ممثلة في لوحات القديسة آنا وجون (1498-1499؟ ، المعرض الوطني ، لندن ، إنجلترا) ، العشاء الأخير (1495-1498 ، سانتا ماريا ديلي غراتسي ، ميلان ، إيطاليا) ، القديس يوحنا المعمدان (ليوناردو دافنشي ، 1513 ، متحف اللوفر) ​​يشير إلى الجنة. وبهذه الطريقة ، فإنها تشير إلى أبعاد خارقة للطبيعة ("سماوية") للوجود (الله ، الفردوس ، النعمة ، إلخ) والقيم "السامية".

(انظر أيضًا هذا المقال: القديس يوحنا المعمدان - بقلم ليوناردو دافنشي)


بشكل عام ، يتم استخدام الإشارة إلى الأشخاص أو الأشياء داخل الإطار للفت الانتباه إلى من أو إلى ما يتم توجيهه.


مصدر اخر:

شيرر ويست ، بورتريه (أكسفورد تاريخ الفن)


تاريخ البورتريه

تم تمويل The Artist Explorer بسخاء من قبل مؤسسة فويل.

ملخص

منذ 500 عام كنا أمة من عشاق الصور الشخصية. لم نولد فقط رسامين عظماء على الوجوه - عباقرة من السكان الأصليين مثل ويليام دوبسون وويليام هوغارث والسير جوشوا رينولدز وتوماس جينزبورو والسير توماس لورانس - ولكن عند الضرورة ، قمنا بإغرائهم إلى شواطئنا.

أتى أساتذة مثل هانز هولبين ، والسير أنتوني فان ديك ، والسير جودفري كنيلر ، وكارل كزافييه وينترهالتر ، وجون سينجر سارجنت إلى لندن من أجل الثروات وأشادوا بأن المجتمع المستعبد لتمثيل الذات يمكن أن يمنحهم.

في السنوات الأخيرة ، واصل فنانون بريطانيون مثل ستانلي سبنسر ولوسيان فرويد وديفيد هوكني الحفاظ على الوجه البريطاني في طليعة الفن التشكيلي العالمي.

اليوم

اليوم ، تعد اللوحة الشخصية شكلاً فنياً مزدهرًا تمتعت بإحياء ملحوظ ، كما يتضح من العروض والمواهب المتنوعة التي تظهر سنويًا في معرض الصور الوطني والجمعية الملكية لرسامي الصور.

لا مثيل لاتساع وعمق ومكانة معرض الصور الوطني في لندن (الذي تأسس عام 1856) في جميع أنحاء العالم ، بما في ذلك أمريكا. يثري هذا الشكل الفني بموافقة التأسيس.

يقوم مجلس العموم ومجلس اللوردات باستمرار بتكليف أعمال جديدة لمجموعاتهم الفنية ، وكذلك العديد من نقابات المدن ونزل المحاكم والمنظمات المدنية في جميع أنحاء البلاد. في أي لحظة ، هناك مئات الأفراد في جميع أنحاء البلاد الذين يتم تخليدهم بأشكال ووسائط متباينة لا حصر لها.

أصول تيودور

في زمن تيودور ، ترافق الانشغال بتأكيد السلطة (المكتسبة مؤخرًا) مع حظر الفن الديني. نتيجة لذلك ، تم تكليف العبقري الألماني هانز هولباين بحماس متوقع كرسام بورتريه. فقط رجل من قواه الوهمية يمكن أن يحول الجزء الأكبر من السعرات الحرارية الذي كان هنري الثامن إلى كائن للقوة الإمبراطورية.

كان يفتقر إلى الساحر قليلاً. تصل رسوماته لوجوه بلاط تيودور إلى المشاهد المعاصر بوضوح سينمائي وقناعة ، مما يضع أسس ثقافة البورتريه لدينا.

صور القوة

استفاد كبار اللاعبين في أكثر اللحظات إثارة في تاريخ اللغة الإنجليزية من خدمات بعض الرسامين البارزين. أدى الزواج الرشيق للغاية بين العبقرية الفنية لفليم وأنتوني فان دايك والإطار الرقيق لتشارلز الأول إلى صور للقوة الإلهية تقريبًا. في وقت لاحق من القرن ، وجد تشارلز الثاني في السير بيتر ليلي رجلاً يمكنه السفر عبر الخدين الحسيين وأجساد سيدة البلاط أفضل مما يستطيع.

تم تخليد Meritocrats of the Enlightenment في أشكال متعددة من قبل رينولدز ، الذي طعّم إيماءات العصور القديمة الرومانية على أجسام إنجليزية شاحبة.

على الرغم من أن الفيكتوريين كانوا يفتقرون إلى نوع الإيلان المناسب لفرشاة التباهي ، فقد تبلور رغوة ريجنسي جورج الرابع في أوائل القرن التاسع عشر على يد السير توماس لورانس.

بعد ذلك ، تم الاستيلاء على العاشق الإدواردي من خلال ضربات جون سينجر سارجنت المبهرة الفوارة.

يميز كل هؤلاء الرسامين الابتكار والأناقة والمباشرة والمسرح: في الواقع من المغري الاعتقاد بأنهم قاموا جزئيًا بإنشاء تاريخ المجتمع البريطاني بدلاً من مجرد تسجيله.

كبرياء الطبقة الوسطى

كان دعم تاريخ فن البورتريه البريطاني حاجة لا تشبع لتسجيل الحالة والإنجاز. أدى التزايد الكبير في عدد سكان الطبقة المتوسطة منذ أواخر القرن السابع عشر إلى ظهور طبقة من التجار والمهنيين الذين بدأوا في التكليف بالصور الشخصية. كان رئيس البلدية والجندي والمصرفي ورجل الدين والسياسي - مع زوجاتهم وأحيانًا أطفالهم - يحتاجون جميعًا إلى فرشاة خالدة.

كان ويليام هوغارث أول رسام عبقري مولود في البلاد والذي فهم التوازن بين الرتبة والشخصية. صور توماس غينزبورو عن جليساته في إبسويتش ، وجديرة بالسير هنري رايبورن في إدنبرة ، والرؤوس التي لا حصر لها لفنانين مثل جون بارتريدج ، وجورج فريدريك واتس ، وجون إيفريت ميليه ، تتبع مسارًا عبر القرن العشرين يتوج ، من بين أماكن أخرى ، في الجمعية الملكية في رسامون بورتريه.

صور من أجل الفن

سمحت البورتريه ، أو الوجه والجسم البشري ، للفنانين بالتعبير عن اهتماماتهم واهتماماتهم حول الحالة الإنسانية. هذا جزء من تقليد طويل يمكن القول أنه بدأ من بعض النواحي بالتأمل في صور رامبرانت الذاتية. لقد اتخذت اتجاهات مثيرة ومتفاوتة.

قام فرانسيس بيكون بتلويح الأجساد والرؤى ببراعة للتعبير عن قلقه النفسي. من نواحٍ عديدة ، كل لوسيان فرويد هو صورة ذاتية ، لذا فإن خصائصه الفردية المقنعة ، والتي غالبًا ما تكون مقلقة ، متسقة.

إن ما يحافظ على الرسم الفني للصور التصويرية على قيد الحياة من الناحية الفنية هو عمل الممارسين المبتكرين حقًا الذين يبثون ما يمكن أن يصبح شكلاً من أشكال فن المشاة بنهج شخصية وعاكسة وصعبة.

© فيليب مولد OBE 2009


أنواع الصور في الفن

يمكن للمرء أن يتكهن بأن غالبية الصور يتم إنشاؤها أثناء بقاء الموضوع على قيد الحياة. قد يكون شخصًا واحدًا أو مجموعة ، مثل عائلة.

تتجاوز اللوحات الشخصية التوثيق البسيط ، فهي تفسير الفنان للموضوع. يمكن أن تكون الصور الشخصية واقعية أو مجردة أو تمثيلية.

بفضل التصوير الفوتوغرافي ، يمكننا بسهولة التقاط سجلات لما يبدو عليه الأشخاص طوال حياتهم. لم يكن هذا ممكنًا قبل اختراع الوسيط في منتصف القرن التاسع عشر ، لذلك اعتمد الناس على الرسامين لإنشاء صورتهم.

غالبًا ما يُنظر إلى الصورة المرسومة اليوم على أنها رفاهية ، حتى أكثر مما كانت عليه في القرون السابقة. تميل إلى الرسم للمناسبات الخاصة أو الأشخاص المهمين أو ببساطة كعمل فني. نظرًا للتكلفة المتضمنة ، يختار العديد من الأشخاص الذهاب مع التصوير الفوتوغرافي بدلاً من استئجار رسام.

"صورة ما بعد الوفاة" هي التي يتم تقديمها بعد وفاة الشخص. يمكن تحقيقه إما بنسخ صورة أخرى أو باتباع تعليمات الشخص الذي كلف بالعمل.

لا تعتبر الصور الفردية لمريم العذراء أو يسوع المسيح أو أي قديسين صورًا شخصية. يطلق عليهم "الصور التعبدية".

يختار العديد من الفنانين أيضًا عمل "صورة ذاتية". إنه عمل فني يصور الفنان الذي تم إنشاؤه بأيديهم. عادة ما تكون مصنوعة من صورة مرجعية أو من خلال النظر في المرآة. يمكن أن تمنحك الصور الشخصية إحساسًا جيدًا بكيفية نظر الفنان إلى نفسه ، وفي كثير من الأحيان ، يكون الأمر استبطانياً إلى حد ما. سينشئ بعض الفنانين بانتظام صورًا ذاتية ، وبعضها واحد فقط في حياتهم ، والبعض الآخر لن ينتج أيًا منها.


الرسم الألماني في عصر النهضة الشمالية

يعكس عصر النهضة الألماني التأثير الإيطالي والألماني في لوحاته ، ولا توجد إحداها دون الأخرى.

أهداف التعلم

ناقش أعمال Dürer و Grünewald و Holbein و Altdorfer وغيرهم من الفنانين في مدرسة الدانوب خلال فترة الإمبراطورية الرومانية المقدسة في ألمانيا

الماخذ الرئيسية

النقاط الرئيسية

  • يُظهر عمل ألبريشت دورر & # 8216 تأثيرًا كلاسيكيًا قويًا يرجع جزئيًا إلى رحلاته إلى شبه الجزيرة الإيطالية.
  • جمع ماتياس جرونيوالد بين السمات القوطية وعصر النهضة في عمله المرسوم على Isenheimمذبح .
  • تشتهر مدرسة الدانوب بالإنتاج الأول للمناظر الطبيعية المطلية (بغض النظر عن الأشكال الأمامية) منذ ما يقرب من 1000 عام.
  • رسم هانز هولبين الأكبر وشقيقه سيجيسموند هولباين أعمالًا دينية على الطراز القوطي المتأخر. كان الأول رائدًا وقائدًا في تحول الفن الألماني من الطراز القوطي إلى أسلوب عصر النهضة.
  • أعقب الإنجازات البارزة في النصف الأول من القرن السادس عشر غياب ملحوظ للفن الألماني الجدير بالملاحظة.

الشروط الاساسية

  • إنطباع: وهم المسافة أو العمق على سطح ثنائي الأبعاد.
  • en plein air: في مكان خارجي ، على عكس الاستوديو أو أي مكان داخلي آخر.
  • متعدد الألوان: عمل فني ، عادة لوحة ، يتكون من أربع لوحات أو أكثر.
  • زخرفة كلاسيكية: تأثر بالأسلوب الروماني.

ألبريشت دورر

كان ألبريشت دورر (1471-1528) من بين عدد قليل من الألمان ممن لديهم وسائل السفر دوليًا ، وقد ساعد في جلب الأساليب الفنية لعصر النهضة شمال جبال الألب الإيطالية بعد زيارته لشبه الجزيرة الإيطالية في أواخر الخامس عشر وأوائل السادس عشر. قرون. مثل الفنانين الإيطاليين ليوناردو دافنشي ومايكل أنجلو بوناروتي ، كان دورر رجل عصر النهضة ، بارعًا في تخصصات متعددة مثل الرسم والطباعة والتنظير الرياضي. أدى إدخال Dürer & # 8217s للزخارف الكلاسيكية إلى الفن الشمالي إلى تأمين سمعته كواحد من أهم الشخصيات في عصر النهضة الشمالية. يتم تعزيز هذا من خلال أطروحاته النظرية ، والتي تتضمن مبادئ الرياضيات ، والمنظور ، والنسب المثالية.

إحدى لوحات Dürer & # 8217s التي تعرض عرضًا كلاسيكيًا واضحًا للجسم هي آدم وحواء (1507) ، أول مواضيع عارية كاملة في الرسم الألماني. خروج واضح عن التمثيلات المسطحة والمنمقة للفترات الرومانية والقوطية ، تبدو الأجسام طبيعية وديناميكية ، حيث يتم وضع كل شخصية في وضع مضاد جذاب. على الرغم من أنها تقف على خلفية سوداء ، فإن الأرض التي يقف عليها كلا الشكلين والشجرة التي تحيط بحواء تشكل عناصر طبيعية للمناظر الطبيعية. من المحتمل أن يكون رسام المناظر الطبيعية الأول في أوائل أوروبا الحديثة ، شحذ دورر مهاراته في رسم المناظر الطبيعية في العمل en الهواء بلين في المنزل وأثناء أسفاره.

ألبريشت دورر ، آدم وحواء: زيت على اللوحة. 1507. لوحتان ، كل منهما 209 سم × 81 سم (82 × 32 بوصة) متحف ديل برادو ، مدريد.

ماتياس جرونيوالد

يقع ماتياس غرونيوالد خارج هذه التطورات إلى حد ما ، حيث يقع مسقط رأسه في شرق فرنسا ولم يترك سوى القليل من الأعمال. ومع ذلك ، فإن Isenheim Altarpiece (1512-1516) ، الذي تم إنتاجه بالتعاون مع نيكلاوس الهاغيناو ، يُنظر إليه على نطاق واسع على أنه أعظم لوحة لعصر النهضة الألمانية منذ أن تمت إعادتها إلى الاهتمام النقدي في القرن التاسع عشر. إنه عمل عاطفي مكثف يواصل التقليد القوطي الألماني للإيماءات والتعبير غير المقيد ، باستخدام المبادئ التركيبية لعصر النهضة مع الحفاظ على الشكل القوطي للطراز متعدد الأجنحة.

ماتياس غرونوالد ، إيزنهايم ألتربيس (مغلق): زيت على لوح (خارجي). منحوتات خشبية بارزة (داخلية). 1512–16. متحف أونترليندن ، كولمار ، الألزاس.

في شكله المغلق ، فإن ملف Isenheim Altarpiece يصور المسيح الهزيل الذي يحمل جلده العديد من البقع الداكنة. لوحها السفلي ، الذي يضم منحوتات بارزة معروضة في أيام أعياد معينة ، يفتح بطريقة تجعل أرجل المسيح ، عند دفنها ، تبدو مبتورة. ليس من المستغرب أن يكون Grünewald قد أنتج المذبح في كنيسة صغيرة في مستوصف يعالج المرضى الذين يعانون من مجموعة متنوعة من الأمراض ، بما في ذلك الإرغوت وعزل سلالات الطاعون المتبقية. من الأعراض الأولية لكلا المرضين تقرحات مؤلمة على الجلد. في بعض حالات الإرغوت ، أصيبت الأطراف بالغرغرينا وكان لابد من بترها. من خلال تقرحات الجلد والساقين المبتورتين على ما يبدو ، يخبر غرونوالد المشاهد أن المسيح يتفهم ويشعر بمعاناة المرضى. أصبحت هذه & # 8220 الإنسانية & # 8221 من الشخصيات الكتابية شائعة في جميع أنحاء أوروبا خلال عصر النهضة في محاولة لجعلها أكثر ارتباطًا بالمصلين.

مدرسة الدانوب

ألبريشت التدورفر & # 8217 ثانية (1480-1538) منظر نهر الدانوب بالقرب من ريغنسبورغ (ج .1528) هي واحدة من أقدم المناظر الطبيعية الغربية النقية. مدرسة الدانوب هو اسم دائرة من الفنانين من الدول الناطقة بالألمانية الجنوبية التي نشطت خلال الثلث الأول من القرن السادس عشر في بافاريا والنمسا ، بما في ذلك ألبريشت ألتدورفر ، وولف هوبر ، وأوغستين هيرشفوغل. مع Altdorfer في المقدمة ، أنتجت المدرسة الأمثلة الأولى لفن المناظر الطبيعية المستقلة في الغرب (ما يقرب من 1000 عام بعد الصين) ، في كل من اللوحات والمطبوعات. كانت لوحاتهم الدينية ذات أسلوب تعبيري مشابه إلى حد ما لـ Grünewald & # 8217s. عمل تلميذ Dürer & # 8217s Hans Burgkmair و Hans Baldung Grien إلى حد كبير في المطبوعات ، حيث طور Baldung موضوعًا موضعيًا للسحرة في عدد من المطبوعات الغامضة.

ألبريشت التدورفر (حوالي 1480-1538) ، منظر نهر الدانوب بالقرب من ريغنسبورغ (حوالي 1528): واحدة من أقدم المناظر الطبيعية الغربية النقية ، من مدرسة الدانوب في جنوب ألمانيا.

هانز هولبين الأكبر

رسم هانز هولبين الأكبر وشقيقه سيجيسموند هولباين أعمالًا دينية غنية بالألوان. تُظهر لوحاته اللاحقة كيف كان رائداً وقاد تحول الفن الألماني من النمط القوطي الدولي (المتأخر) إلى أسلوب عصر النهضة. كان Holbein the Elder رائدًا وقائدًا في تحويل الفن الألماني من الطراز القوطي إلى أسلوب عصر النهضة. كان ابنه ، هانز هولباين الأصغر ، رسامًا مهمًا للصور وبعض الأعمال الدينية ، وعمل بشكل رئيسي في إنجلترا وسويسرا.

هانز هولباين الأكبر ، رقاد السيدة العذراء: زيت على اللوحة. ج. 1491. متحف الفنون الجميلة ، بودابست.

أعقب الإنجازات البارزة في النصف الأول من القرن السادس عشر غياب ملحوظ للفن الألماني الجدير بالملاحظة. عمل الفنانون الألمان المهمون التاليون بأسلوب مصطنع إلى حد ما من الأسلوب الشمالي ، والذي كان عليهم تعلمه في إيطاليا أو فلاندرز. كان هانز فون آخن وهولندا بارثولوميوس سبرينجر من الرسامين الرائدين في المحاكم الإمبراطورية في فيينا وبراغ ، وانتشرت عائلة النقوشين الهولندية سادلر المنتشرة في جميع أنحاء ألمانيا ، من بين مقاطعات أخرى.


لماذا تبدو العيون في اللوحات وكأنها تتبعك أحيانًا؟

لا بد أنه أذهل أول من لاحظه: يبدو أن العيون في بعض اللوحات تتبعك. لقد أدركنا هذه الظاهرة الغريبة منذ فترة طويلة ، وشق طريقها إلى الثقافة الشعبية. تمكنت جميع أنواع المحتالين من مراقبة سكوبي دو والعصابة دون أن يلاحظوا أحد ، وذلك ببساطة لأن المغامرين الشباب يعتبرون أن العيون التي تتبعهم من اللوحات التي يمشون بها ليست حقيقية. A & quotHaunted Harry Houdini Painting & quot التي يمكنك شراؤها يأخذ الوهم إلى أقصى درجاته. تشتهر الموناليزا بقدرتها الغريبة على متابعتك بأعينها كما تشتهر بابتسامتها المحيرة. ومجموعة الفن المفاهيمي Flong لقد ابتكر تركيبًا فنيًا آليًا يتميز بالعين المقلقة التي تتبعك حقًا عبر الغرفة - وتومض!

نعلم جميعًا أن بعض اللوحات تبدو وكأنها تشاهدنا ، ولكن كيف يحدث هذا بالضبط؟ لماذا يصلح لبعض اللوحات دون البعض الآخر؟ اتضح أن الأمر يتعلق بالطريقة التي يتم بها إنشاء اللوحة وافتقار قماش الرسم إلى البعد الثالث الذي نجده في الحياة الواقعية. بفضل عناصر الظل والضوء والمنظور ، تمنحنا بعض اللوحات إحساسًا غريبًا بأننا نراقب. إنه عادل فقط ، إذا فكرت في الأمر. نحب أن ننظر إلى اللوحات ، فلماذا لا يجب أن ينظروا إلينا؟

قبل أن نصل إلى جوهر هذه الظاهرة ، جرب تجربة صغيرة. اطلب من صديق أن يقف ثابتًا ويحدق إلى الأمام مباشرة. تحرك الآن ببطء حول صديقك ، مع إبقاء عينيه دائمًا في مجال الرؤية. هل يبدو أنهم يتابعونك؟ لا؟ آها ، لدينا دليل. لذا فإن هذا الوهم البصري يحدث فقط في الفن ، وليس في الحياة الواقعية. لماذا ا؟ اقرأ الصفحة التالية لتكتشف كيف تمكنت مجموعة من العلماء أخيرًا من حل لغز عمره قرون.

لم يظهر هذا المنظور في الفن حتى القرن الرابع عشر. عثر المهندس المعماري الإيطالي فيليبو برونليسكو الذي عمل كمهندس معماري على منظور عندما أشرف على بناء المعمودية في سان جيوفاني. بعد اكتشاف Brunellesco ، المنظور الخطي - أصبح الأسلوب الذي يستخدم نقطة واحدة كمحور التركيز - كل الغضب في الفن. في المنظور الخطي ، تذهب جميع الخطوط في اللوحة إلى نقطة مشتركة (فكر في مسارات السكك الحديدية التي تختفي في المسافة) ، وتخلق انطباعًا بالعمق والمسافة [المصدر: دارتموث].

حتى اكتشف الفنانون المنظور ، اعتمدوا عليه ارتفاع و العرض لإعطاء أعمالهم البعد. لذا بدت اللوحات مسطحة. يمكن للفنانين الأوائل فقط جعل الأشياء أصغر أو أكبر لخلق مظهر المسافة. اللوحات المصرية المبكرة هي مثال جيد على الافتقار إلى المنظور.

يستخدم الفنانون أيضًا الضوء والظل لخلق وهم بالعمق. يوضح الضوء قرب السطح من مصدر الضوء. يبرز وبالتالي يعكس المزيد من الضوء. من ناحية أخرى ، يشير الظل إلى منطقة مغلقة أو بعيدة عن مصدر الضوء. إذا جمعت الضوء والظل معًا ، فسيكون لديك وهم عمق - أو الطول ، البعد الثالث.

يمتلك الفنانون المعاصرون تحكمًا في المنظور الخطي ، ويستخدمون التفاعل بين الضوء والظل لإنشاء لوحات تبدو وكأنها على قيد الحياة تقريبًا. لكن من المستحيل تجاوز حقيقة أن الوسط الذي يعمل فيه الرسام موجود في بعدين فقط. في نهاية المطاف ، كل العمق الذي يتم إنشاؤه من خلال المنظور والضوء والظل هو خدعة ، وخداع بصري ، وهذا الوهم يؤدي إلى أوهام أخرى - بما في ذلك العيون في اللوحة التي تتبعك.

فكيف يعمل؟ في الأساس ، ما يحدث هو أن الضوء والظل والمنظور الموصوف في اللوحة ثابتة ، مما يعني أنها لا تتغير. هل تتذكر عندما حدق صديقك للأمام وأنت تمشي من جانب إلى آخر؟ لم تتبعك عيناه أو عينها لأن الضوء والظل ، وكذلك المنظور الذي تراه ، يتغيران بالفعل. الميزات التي كانت قريبة منك وأنت تقف على جانب ما تكون أبعد عندما تقف على الجانب الآخر. نظرًا لأن عناصر المنظور والضوء والظل ثابتة في اللوحة ولا تتغير ، فإنها تبدو متشابهة إلى حد كبير بغض النظر عن الزاوية التي تنظر إليها [المصدر: Guardian].

لذلك إذا تم رسم شخص لينظر إليك ، فسيستمر في النظر وأنت تتحرك في الغرفة. إذا تم رسم شخص ينظر بعيدًا عنك ، يجب ألا يسمح له الضوء والظل والمنظور أن ينظر إليك أبدًا ، حتى لو حركت نفسك إلى النقطة التي تم فيها رسم الشخص متجهًا نحوه.

في القرن التاسع عشر ، كان لدى رجل يدعى Jules de la Gournerie فكرة أن هذه الظاهرة يمكن إثباتها باستخدام الرياضيات. لقد اقترب من ذلك ، لكن لم تثبت الفكرة حتى عام 2004 مجموعة من الباحثين. باستخدام صورة لجذع عارضة أزياء ، استخدم الفريق جهاز كمبيوتر لرسم نقاط من النقاط على الجذع التي بدت قريبة وبعيدة. قام الباحثون بذلك من زوايا مختلفة ، بما في ذلك 90 درجة (بالنظر مباشرة إلى الصورة).

عندما قارنوا النقاط ، وجدوا أن الميزات التي ظهرت بعيدة وقريبة من زاوية واحدة ظهرت أيضًا بهذه الطريقة من زوايا أخرى ، أيضًا [المصدر: جامعة ولاية أوهايو]. بمعنى آخر ، تثبت مواقع النقاط أن المنظور لا يتغير كثيرًا عند تثبيته في لوحة أو صورة. بالطبع ، هذا لا ينطبق على اللوحات في القصور المسكونة - فالعيون في تلك اللوحات تتبعك حقًا.


إليزابيث الأولى & # 8211 لماذا تم رسم اللوحات؟

عندما اعتلت إليزابيث الأولى العرش عام 1558 بعد وفاة أختها ماري ، كانت بحاجة إلى كسب دعم جميع أفراد شعبها:

  • كاثوليك
  • البروتستانت
  • أولئك الذين اعتقدوا أن المرأة لا تستطيع إدارة بلد بمفردها.

كانت إحدى أفضل الطرق التي يمكن للملك أن يربح بها الدعم هي القيام بجولة في البلاد وإظهار نفسه للناس. في زمن تيودور ، كان يسمى هذا & # 8216 تقدمًا & # 8217.

لم يكن هذا خيارًا لإليزابيث لأنه كان لديها العديد من الأعداء الكاثوليك ولم يكن من الآمن لها السفر في جميع أنحاء البلاد.

اختارت ، بدلاً من ذلك ، استخدام الصور الشخصية لتظهر نفسها لشعبها.

لذلك ، كان من الضروري أن تظهر الصور صورة إليزابيث من شأنها أن تثير إعجاب رعاياها.

على فترات طوال فترة حكمها ، أصدرت الحكومة صورًا لإليزابيث كان من المقرر نسخها وتوزيعها في جميع أنحاء الأرض.


لماذا تظهر بعض الصور المرسومة إشارة الموضوع؟ - تاريخ

الصور الذاتية لـ Albrecht D & uumlrer

الرجال لم يولدوا ، لكنهم صنعوا- ديزيديريوس إيراسموس

جاكوب بوركهارت ، حضارة النهضة الإيطالية1860. ما يلي هو من مقدمة الجزء الثاني من الكتاب ، بعنوان & quot؛ تطور الفرد & quot: في العصور الوسطى ، كان كلا الجانبين من الوعي البشري - الذي تحول إلى الداخل كما تم تحويله من دونه - حلمًا عاديًا أو نصف مستيقظ تحت حجاب مشترك. كان الحجاب منسوجًا من الإيمان والوهم والملكية الطفولية ، والتي من خلالها شوهد العالم والتاريخ يرتديان ألوانًا غريبة. كان الإنسان واعيًا لنفسه فقط كعضو في عرق أو شعب أو حزب أو عائلة أو شركة - فقط من خلال فئة عامة معينة. في إيطاليا ، انصهر هذا الحجاب أولاً في الهواء ، وأصبح من الممكن التعامل الموضوعي مع الدولة وجميع الأشياء في هذا العالم. لقد أكد الجانب الذاتي في نفس الوقت نفسه مع التأكيد المقابل ، أصبح الإنسان فردًا روحيًا ، واعترف بنفسه على هذا النحو. وبنفس الطريقة ميّز اليوناني نفسه عن البربري ، وكان العربي يشعر بأنه فرد في وقت كان الآسيويون الآخرون يعرفون أنفسهم فقط كأعضاء في عرق. لن يكون من الصعب إثبات أن هذه النتيجة كانت في المقام الأول بسبب الظروف السياسية في إيطاليا.

ستيفن جرينبلات عصر النهضة التطويع الذاتي ، 1980 ، ص. 256: بدا لي أن السمة المميزة لعصر النهضة هي أن الذكور من الطبقة الوسطى والأرستقراطية بدأوا يشعرون أنهم يمتلكون قوة تشكيل كهذه على حياتهم ، ورأيت هذه القوة والحرية التي تنطوي عليها كعنصر مهم في إحساسي بنفسي. . لكن مع تقدم عملي ، أدركت أن تشكيل الذات وتشكيلها من قبل المؤسسات الثقافية - الأسرة والدين والدولة - كانا متشابكين بشكل لا ينفصل. في جميع نصوصي ووثائقي ، لم تكن هناك ، بقدر ما أستطيع أن أقول ، لحظات من الذاتية النقية غير المقيدة بالفعل ، بدأ الذات البشرية نفسها تبدو غير حرة بشكل ملحوظ ، وهي المنتج الأيديولوجي لعلاقات القوة في مجتمع معين. كلما ركزت بحدة على لحظة من الاستقلالية الذاتية على ما يبدو ، لم أجد ظهورًا للهوية المختارة بحرية بل قطعة أثرية ثقافية. إذا كانت هناك آثار للاختيار الحر ، فإن الخيار كان من بين الاحتمالات التي تم تحديد مداها بدقة من خلال النظام الاجتماعي والأيديولوجي الساري.

في أيديولوجيتنا الحديثة ، نعتبر أن الإحساس بأنفسنا طبيعيًا كأفراد فريدين ومستقلين. لدينا إيمان بهويتنا الشخصية الفريدة. عزز تاريخ الفن الحديث هذه الأيديولوجية ببنائه لسرد الفن حول أعمال الفنانين الذين يمكن التعرف عليهم والذين يُنظر إلى أنماطهم على أنها مظاهر للشخصيات الفريدة للفنانين المعنيين. تعد الصور الذاتية لفنانين مثل روبنز ورامبرانت وفان جوخ من المعالم الأثرية الرئيسية في عبادة الشخصية الفنية هذه. عندما افترضت الروايات التقليدية لتاريخ الفن ، صراحة أو ضمنيًا ، التركيز على الفردية الفنية التي بدأت في عصر النهضة باعتبارها & quot؛ ظهور طبيعي & quot للذات ، فقد أكدت النظرية النقدية الحديثة أن مفهوم الذات هو في الواقع بناء له تاريخ اجتماعي محدد. نحن بوعي أو بغير وعي نصمم هوياتنا من البدائل التي توفرها سياقاتنا الثقافية.

تحتاج أي مناقشة للمفهوم الحديث المبكر للفنان إلى التركيز على السلسلة الرائعة من التمثيلات الذاتية للفنان الألماني في أواخر القرن الخامس عشر وأوائل القرن الخامس عشر ، ألبريشت دي وأوملر. من تجربتنا مع الفن الأوروبي اللاحق ، نأخذ موضوع الصورة الذاتية كأمر مسلم به. في حين أن D & uumlrer لم يكن أول فنان ينتج صورة ذاتية ، يمكن القول إنه أول فنان عاد إلى هذا الموضوع طوال حياته المهنية. في هذه الصور ، يبني D & uumlrer أو ، وفقًا لمصطلحات ستيفن جرينبلات ، & quot ؛ أزياء & & quot ؛ هويته كفنان [لمناقشة فكرة & quot ؛ تشكيل الذات ، انظر المقتطفات من مقال بقلم جون مارتن]. كتب جوزيف كورنر في كتابه بعنوان لحظة تصوير الذات في فن عصر النهضة الألماني:

لمحة عن التشابه المبكر للفنان. تعقد أفكارنا حول وحدة ووظيفة الذات في تصوير الذات في 1500. إذا نظرنا إليها على التوالي ، فإن هذه الأعمال لا تؤرخ للنضج الجسدي والفني لشخص واحد بقدر ما هي سلسلة من الأدوار التي قام بها الفنان في العديد من المناسبات. في لوحة متحف اللوفر عام 1493 ، كان D & uumlrer يلبس نفسه بإخلاص كعاشق وكزوج في صورة برادو ، يظهر على أنه رجل دنيوي ودنيوي وفي صورة ميونيخ هو شخص أكثر جاذبية وجرأة ، وهو كائن على صورة الله. إذا شعرنا أن الشخص 'D & uumlrer' وراء هذا التغيير في الأزياء ، فإنه فقط في الفجوة بين ، من ناحية ، الملابس التي تثبت الحاضنة في أدوارها المختلفة ، ومن ناحية أخرى ، وجه الحاضنة الذي ، ثابت من خلال اللوحات ، يحدق خارج الصورة باقتناع وفورية على خلاف مع الجسم الملبس بأشكال مختلفة.

أول صورة ذاتية لدينا لـ D & uumlrer هي رسم ذو نقطة فضية رائعة رسمها في عام 1484 عندما كان يبلغ من العمر ثلاثة عشر عامًا. غالبًا ما تقترن هذه الصورة بما قد يكون صورة ذاتية لوالد دي آند أوملر ، صائغ:

يُظهر ألبريشت دي وأوملر الأكبر وهو يحمل قطعة من عمله في الصياغة ، ويمثل نفسه كصانع. قارن هذا التمثيل بمناقشتنا لرسم روجير فان دير وايدن للقديس لوقا رسم العذراء:

بشكل ملحوظ ، يُظهر روجير القديس لوقا وهو يصنع رسمًا بنقطة فضية. ضمنيًا في هذه اللوحة هو عرض لإتقان القديس لوقا ومثاله لأسلوب الرسم الصعب هذا. الصورة الذاتية لـ D & Uumlrer هي بلا شك تمرينًا له كجزء من تدريبه الفني.

تظهر الوثائق الأساسية المرتبطة بوالد D & Uumlrer بوضوح عقليته كصانع. اقرأ على سبيل المثال مقتطفًا من سجل عائلة D & uumlrer ورسالة أرسلها Albrecht D & uumlrer the Elder إلى زوجته. من المحتمل أن يُنظر إلى الصورة المزدوجة لوالدته وأبيه التي رسمها الشاب D & Uumlrer في عام 1490 على أنها مرتبطة بالصور المزدوجة الأخرى للأزواج والزوجات كمديرين لاقتصادات الأسرة المنخرطة في الصناعة الحرفية:

عكس صورة والد دي وأوملر. إنه يمثل اتحاد ذراعي عائلات D & uumlrer و Holper.

تم اقتراح فكرة الحرفي المشارك في الاقتصاد المنزلي من خلال نقش قام به إسراهيل فان ميكنيم (حوالي 1440 / 5-1503):

يعود تاريخ الطباعة إلى حوالي عام 1490 ، وهي تمثل الفنان مع زوجته إيدا ويمكن اعتبارها بمثابة بيان شراكة بين الزوج والزوجة يديران ورشة عمل ناجحة متخصصة في إنتاج نسخ مطبوعة لأعمال نقاشين آخرين. من بين أكثر من 600 مطبوعة موقعة من قبل إسرائيل ، يمكن تحديد 90٪ منها على أساس عمل الآخرين. 58 من مطبوعاته ، على سبيل المثال ، نسخ عمل مارتن شونغاور. في دراستهم المهمة عصر النهضةادعى روبرت لانداو وبيتر بارشال أن إسراهيل فان ميكنيم & quot؛ يمكن اعتباره أهم صانع طباعة شمالي تاريخيًا في العمل حوالي عام 1500 (ص 56-57). أصالة عمل إسراهيل فان ميكنيم ، لكن وجهة نظر لانداو وبارشال لها مزايا عندما يتم النظر في الانتشار الواسع لعمله. لقد رأى إمكانية تسويق المطبوعات كسلعة.

وهكذا كان صنع سلعة قابلة للتسويق أولوية متجر إسراهيل فان ميكنيم على الأصالة. توثق صورة مزدوجة للفنان وزوجته بتاريخ 1496 من قبل فنان معروف باسم سيد فرانكفورت مرة أخرى عالم الاقتصاد المنزلي للحرفي. ذراعي القديس لوقا مع الشعار Wt Jonsten versamt ("تم جمعها من الفرح") أعلاه في وثيقة الإطار الوهمي لعضوية نقابة أنتويرب في سانت لوقا. تشير الأزهار التي تحملها السيدة وفي المزهرية أيضًا إلى النقابة. في عام 1480 ، اندمجت نقابة الرسامين في أنتويرب مع شركة Chamber of Rhetoric المعروفة باسم 'دي فيوليرين ومثل ("الأسهم- Gillyflowers"). تعرض يد السيدة بشكل بارز خاتم زواجها بينما تتمسك بما يبدو أنه سبحة صلاة يشبه إلى حد كبير ما يحمله والدا D & Uumlrer في صورتهما المزدوجة. تفاصيل الحياة الساكنة على الطاولة وملابسهم هي علامات ازدهارهم النسبي. إن إبريق البيوتر ، وصفيحة القصدير ، والسكين الخشبي ، والمزهريات الخزفية ليست بالتأكيد من الذهب والأواني الفضية لطاولة أرستقراطية ولكنها توحي بثروة الطبقة الوسطى. تكمن قيمتها في جودة تصنيعها بدلاً من التكلفة الجوهرية للمواد المستخدمة. يشهد على إتقان الرسام للرسم الوهمي من خلال رسم الذباب كما لو كانوا قد هبطوا على سطح اللوحة. مثل الطيور التي خدعها رسم زيوكسيس للعنب ، يبدو أن الذباب ينخدع بالتمثيل الوهمي. The painting attests to the quality of the master's work and the success of his well managed workshop. This painting perhaps served as a demonstration of the shops wares placed in the window of the shop. The reference to a workshop window with a ledge like that shown in the painting of the goldsmith by Petrus Christus was enhanced by the original format of having the painting protected by shutters.

The partnership of the husband and wife managing a successful workshop suggested by both the Israhel von Meckenem print and the Master of Frankfurt painting is echoed in a letter from Albrecht Dürer's father to his wife Barbara:

My friendly greeting to my dear Barbara. This is to let you know that, after a hard trip, I arrived in Linz on Sunday before St. Bartholomew's [August 19], and on Monday my gracious Lord [Kaiser Friedrich III] sent for me and I had to show him the pictures [presumably drawings for gold work under consideration]. His Grace was pleased with them and His Grace spoke with me for a long time. And as I was leaving, His Grace came himself to me put four florins in my hand and said to me "My goldsmith, go to the inn and get yourself something good." Since then I have not been with His Grace again. I have no more [news]: so greet the household for me, and tell the apprentices to work fast and I will earn more and especially recommend me to my children and tell them to be good. Given at Linz on St. Bartholomew's Day 1492.

This close partnership provides a striking contrast to the apparently distant relationship between Dürer himself and his wife Agnes. When they got married, Agnes had the expectation of being the wife of a master and helping him in the management of a workshop [see excerpt of Pirckheimer letter written in 1530]. It is significant that there is no double portrait of Dürer and his wife Agnes comparable to the Israhel von Meckenem print, the painting by the Master of Frankfurt, or Dürer's own portrait of his parents. In fact there are relatively few portraits of Agnes in all the work of Dürer.

Contrast these representations with the self-portrait that Dürer painted in 1498 that is now in the Prado collection:

Inscription: "Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt/ Albrecht Dürer" (I painted this from my own appearance I was twenty-six years old)

This painting was done after Dürer's first trip to Italy in 1494-95 and the year before the publication of his famous edition of the Apocalypse. In 1498, Dürer had been elevated to a status rivaling that of a member of the upper social circles of the city, the Ehrbaren, or wealth merchant. Compare this portrait to the attitudes he expresses in a series of letters he writes to his friend Willibald Pirckheimer during his second trip to Italy. Note especially the following statement of regret about returning back home to Germany after his stay in Italy: "How I shall freeze after this sun! Here I am a gentleman, at home only a parasite." Read Joseph Koerner's discussion of this self-portrait.

In 1500, Dürer painted his famous self-portrait now in Münich:

Inscription: "Albertus Durerus Noricus ipsum me propriis sic effingebam coloribus aetatis anno xxviii" (I, Albrecht Dürer of Nuremberg painted myself thus, with undying colors, at the age of twenty-eight years)

While Dürer in the 1500 portrait does not wear the fashionable dress of the 1498 portrait, his clothing with the fur collar can be compared to that represented in the 1524 engraving of his friend and Nuremberg patrician, Wilibald Pirckheimer. The contrast in dress between the two self-portraits could be perhaps compared to the contemporary contrast between Gucci and Brooks Brothers, with one showing contemporary fashion and the other a traditional sign of high status.

It has long been known that this self-portrait is based on a convention for representing Christ that can be found in Netherlandish art like this image of the Holy Face associated with the work of Jan Van Eyck:

Van Eyck's image can be linked to a tradition of Pantocrator images found in Byzantine churches like the following one on the left from the church of Daphni built about 1100 just outside of Athens and two from Sicily (Monreale and Céfalu) from the end of the 12th century:

Pantocrator from Monreale in Sicily.

Pantocrator from Céfalu in Sicily. (text in Christ's book is John, 8, 12)

Notice how the Byzantine images and the Dürer Self-Portrait share details like the lock of hair extending down the center of the forehead and the prominent position of the right hand. This image of Christ as Pantocrator, or ruler and judge of the world, is a descendent of the so-called acheiropoetai, the "images not made by human hands." Read Koerner's account of this painting.

In 1522, Dürer created a dramatically different self-representation in a lead point drawing of himself in the guise of Christ as the "Man of Sorrows":

Compare this drawing to Dürer's painting of the Man of Sorrows from 1493-94:

While strictly not self-portraits, I would like to consider two other images as self-representations. One is a drawing of an artist drawing a nude that was used as an illustration of a perspective device in Dürer's Painter's Manual of 1525:

This image has been the focus of much discussion in contemporary theory. Read the excerpts included on the page dedicated to this image.

The other image is the famous engraving dated to 1514 entitled Melancolia I :

The principal figure can be identified as the female personification of melancholy. This temperament became associated during this period with the creative artist. This can thus be seen as a spiritual self-portrait of Dürer. "Number,weight, and measure."

Self-Portrait, 1484, silverpoint on prepared paper.

Albrecht Dürer the Elder, تصوير شخصي, 1484, silverpoint.

تصوير شخصي، ج. 1491, pen and dark brown ink, Erlangen.

Self-Portrait at Age Twenty-two, ج. 1493, pen and brown ink, Metropolitan Museum, New York.

تصوير شخصي, 1493, Louvre, Paris.

Self-Portrait, 1498, Prado, Madrid.

تصوير شخصي, 1500, Alte Pinakothek, Munich.

Detail of the 1500 Self-Portrait.

العشق من الثالوث, 1508-11.

Adoration of the Trinity, detail:

Copy of the Heller Altarpiece, original 1508-9.

Detail of the Heller Altarpiece.

Feast of the Rose Garlands, 1506.

Detail of the Feast of the Rose Garlands.

Sel-Portrait as the Man of Sorrows, 1522.

ميلينكوليا أنا, 1514, engraving.

Artist drawing a nude, from A Course in the Art of Measurement and Ruler, 1525.


السنوات المبكرة

Rembrandt was the fourth of 6 surviving children out of 10. Unlike many painters of his time, he did not come from a family of artists or craftsmen his father, Harmen Gerritszoon van Rijn (1568–1630), was a miller. His mother, Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck (1568–1640), came from a family of bakers.

The first name Rembrandt was—and still is—extremely rare. It is akin to more common Dutch first names such as Remmert, Gerbrand, and IJsbrand. The way Rembrandt inscribed his name on his work evolved significantly. As a young man, he signed his work only with the monogram RH (Rembrant Harmenszoon, “son of Harmen”) from 1626/27, with RHL and in 1632, with RHL van Rijn (the إل in the monogram presumably standing for Leidensis, “from Leiden,” the town in which he was born). At age 26 he began to sign his work with his first name only, Rembrant (ending only with a -t) from early 1633 onward until his death, he spelled his name Rembrandt (with -dt) and signed his works that way. It has been suggested that he began using his first name as his signature because he considered himself the equal of the great artists of the 15th and 16th centuries Michelangelo (Michelangelo Buonarroti), Titian (Tiziano Vecellio), and Raphael (Raffaello Sanzio) were also generally known by their first names.

Like most Dutch children of his day, Rembrandt attended elementary school (c. 1612–16), after which, from roughly 1616 to 1620, he attended the Latin School in Leiden, where biblical studies and classics were the main subjects taught. The school’s emphasis on oratory skills may have contributed to his ability to “stage” the figures in scenes depicted in his history paintings, drawings, and etchings. It is not clear whether Rembrandt completed his course of study at the Latin School. His first biographer, Jan Janszoon Orlers (1570–1646), provided a laudatory half-page biography of Rembrandt within his Beschrijvinge der stadt Leyden (1641 “Description of the Town of Leiden”). There Orlers wrote that Rembrandt was taken out of school prematurely and, at his own request, was sent to be trained as a painter. The fact that Rembrandt was enrolled in Leiden University on May 20, 1620, does not necessarily contradict this. Whether for tax reasons or simply because they had attended the Latin School, it was not unusual for Leiden boys to be registered as students without being expected to attend any lectures. The extent of Rembrandt’s intellectual development and any possible influence this might have had on his work remain matters of speculation.

From approximately 1620 to 1624/25, Rembrandt trained as an artist. As was quite common in his time, he had two masters in succession. Rembrandt’s first master was the Leiden painter Jacob van Swanenburgh (1571–1638), with whom, according to Orlers, he remained for about three years. Van Swanenburgh must have taught him the basic skills and imparted the knowledge necessary for the profession. He was a specialist in architectural pieces and in scenes of hell and the underworld, which called for skill in painting fire and its reflections on the surrounding objects. In Rembrandt’s time this skill was considered distinct and demanding. It may well be that Rembrandt’s early exposure to this kind of pictorial problem underlies his lasting interest in the effects of light.

Rembrandt’s second teacher, Pieter Lastman (1583–1633), lived in Amsterdam. According to Orlers, Rembrandt stayed with him for six months. Working with Lastman, who was well known at that time as a history painter, must have helped Rembrandt gain the knowledge and skill necessary to master that genre. History painting involved placing various figures from biblical, historical, mythological, or allegorical scenes in complex settings. In the 17th-century hierarchy of the various genres, history painting held the highest position, because it required a complete command of all subjects, from landscape to architecture, from still life to drapery, from animals to, above all, the human figure, in a wide range of postures, expressions, and costumes. One Rembrandt biographer, Arnold Houbraken, mentions another Amsterdam history painter, Jakob Pynas, as one of Rembrandt’s teachers. (In 1718 Houbraken wrote the most extensive early biography and characterization of Rembrandt as an artist, although it was mixed with spurious anecdotes.)

On the basis of stylistic arguments, one could speculate on the impact that Jan Lievens may have had on Rembrandt during his training. Lievens, one year younger than Rembrandt and originally a child prodigy, was already a full-fledged artist by the time Rembrandt must have decided to become a painter. Although scholars know for certain only that Rembrandt and Lievens worked closely together for some years after Rembrandt had returned to Leiden about 1625, following his training with Lastman, the contacts between these two Leiden boys may have begun earlier. However, no trace of Rembrandt’s student exercises has survived.


Top famous paintings

1. Leonardo Da Vinci, Mona Lisa, 1503–19

Painted between 1503 and 1517, Da Vinci&rsquos alluring portrait has been dogged by two questions since the day it was made: Who&rsquos the subject and why is she smiling? A number of theories for the former have been proffered over the years: That she&rsquos the wife of the Florentine merchant Francesco di Bartolomeo del Giocondo (ergo, the work&rsquos alternative title, لا جيوكوندا) that she's Leonardo&rsquos mother, Caterina, conjured from Leonardo's boyhood memories of her and finally, that it's a self-portrait in drag. As for that famous smile, its enigmatic quality has driven people crazy for centuries. Whatever the reason, Mona Lisa&rsquos look of preternatural calm comports with the idealized landscape behind her, which dissolves into the distance through Leonardo&rsquos use of atmospheric perspective.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Dystopos

2. Johannes Vermeer, Girl with a Pearl Earring, 1665

Johannes Vermeer&rsquos 1665 study of a young woman is startlingly real and startlingly modern, almost as if it were a photograph. This gets into the debate over whether or not Vermeer employed a pre-photographic device called a camera obscura to create the image. Leaving that aside, the sitter is unknown, though it&rsquos been speculated that she might have been Vermeer's maid. He portrays her looking over her shoulder, locking her eyes with the viewer as if attempting to establish an intimate connection across the centuries. من الناحية التقنية، بنت isn&rsquot a portrait, but rather an example of the Dutch genre called a tronie&mdasha headshot meant more as still life of facial features than as an attempt to capture a likeness.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Nat507

3. Sandro Botticelli, , 1484–1486

Botticelli&rsquos ولادة فينوس was the first full-length, non-religious nude since antiquity, and was made for Lorenzo de Medici. It&rsquos claimed that the figure of the Goddess of Love is modeled after one Simonetta Cattaneo Vespucci, whose favors were allegedly shared by Lorenzo and his younger brother, Giuliano. Venus is seen being blown ashore on a giant clamshell by the wind gods Zephyrus and Aura as the personification of spring awaits on land with a cloak. مما لا يثير الدهشة ، كوكب الزهرة attracted the ire of Savonarola, the Dominican monk who led a fundamentalist crackdown on the secular tastes of the Florentines. His campaign included the infamous &ldquoBonfire of the Vanities&rdquo of 1497, in which &ldquoprofane&rdquo objects&mdashcosmetics, artworks, books&mdashwere burned on a pyre. ولادة فينوس was itself scheduled for incineration, but somehow escaped destruction. Botticelli, though, was so freaked out by the incident that he gave up painting for a while.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/arselectronica

4. Vincent van Gogh, The Starry Night, 1889

Vincent Van Gogh&rsquos most popular painting, The Starry Night was created by Van Gogh at the asylum in Saint-Rémy, where he&rsquod committed himself in 1889. Indeed, The Starry Night seems to reflect his turbulent state of mind at the time, as the night sky comes alive with swirls and orbs of frenetically applied brush marks springing from the yin and yang of his personal demons and awe of nature.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

5. James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black No. 1, 1871

Whistler&rsquos Mother, or Arrangement in Grey and Black No. 1, as it&rsquos actually titled, speaks to the artist&rsquos ambition to pursue art for art&rsquos sake. James Abbott McNeill Whistler painted the work in his London studio in 1871, and in it, the formality of portraiture becomes an essay in form. Whistler&rsquos mother Anna is pictured as one of several elements locked into an arrangement of right angles. Her severe expression fits in with the rigidity of the composition, and it&rsquos somewhat ironic to note that despite Whistler&rsquos formalist intentions, the painting became a symbol of motherhood.

Photograph: REX/Shutterstock/Universal History Archive

6. Gustav Klimt, The Kiss, 1907–1908

Opulently gilded and extravagantly patterned, قبلة, Gustav Klimt&rsquos fin-de-siècle portrayal of intimacy, is a mix of Symbolism and Vienna Jugendstil, the Austrian variant of Art Nouveau. Klimt depicts his subjects as mythical figures made modern by luxuriant surfaces of up-to-the moment graphic motifs. The work is a highpoint of the artist&rsquos Golden Phase between 1899 and 1910 when he often used gold leaf&mdasha technique inspired by a 1903 trip to the Basilica di San Vitale in Ravenna, Italy, where he saw the church&rsquos famed Byzantine mosaics.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Jessica Epstein

7. Jan van Eyck, The Arnolfini Portrait, 1434

One of the most significant works produced during the Northern Renaissance, this composition is believed to be one of the first paintings executed in oils. A full-length double portrait, it reputedly portrays an Italian merchant and a woman who may or may not be his bride. In 1934, the celebrated art historian Erwin Panofsky proposed that the painting is actually a wedding contract. What can be reliably said is that the piece is one of the first depictions of an interior using orthogonal perspective to create a sense of space that seems contiguous with the viewer&rsquos own it feels like a painting you could step into.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Centralasian

8. Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1503–1515

This fantastical triptych is generally considered a distant forerunner to Surrealism. In truth, it&rsquos the expression of a late medieval artist who believed that God and the Devil, Heaven and Hell were real. Of the three scenes depicted, the left panel shows Christ presenting Eve to Adam, while the right one features the depredations of Hell less clear is whether the center panel depicts Heaven. In Bosch&rsquos perfervid vision of Hell, an enormous set of ears wielding a phallic knife attacks the damned, while a bird-beaked bug king with a chamber pot for a crown sits on its throne, devouring the doomed before promptly defecating them out again. This riot of symbolism has been largely impervious to interpretation, which may account for its widespread appeal.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Centralasian

9. Georges Seurat, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte, 1884–1886

Georges Seurat&rsquos masterpiece, evoking the Paris of La Belle Epoque, is actually depicting a working-class suburban scene well outside the city&rsquos center. Seurat often made this milieu his subject, which differed from the bourgeois portrayals of his Impressionist contemporaries. Seurat abjured the capture-the-moment approach of Manet, Monet and Degas, going instead for the sense of timeless permanence found in Greek sculpture. And that is exactly what you get in this frieze-like processional of figures whose stillness is in keeping with Seurat&rsquos aim of creating a classical landscape in modern form.

Photograph: Courtesy The Art Institute of Chicago/Helen Birch Bartlett Memorial Collection

10. Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

The ur-canvas of 20th-century art, Les Demoiselles d&rsquoAvignon ushered in the modern era by decisively breaking with the representational tradition of Western painting, incorporating allusions to the African masks that Picasso had seen in Paris's ethnographic museum at the Palais du Trocadro. Its compositional DNA also includes El Greco&rsquos The Vision of Saint John (1608&ndash14), now hanging in the Metropolitan Museum of Art. The women being depicted are actually prostitutes in a brothel in the artist's native Barcelona.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

11. Pieter Bruegel the Elder, The Harvesters, 1565

Bruegel&rsquos fanfare for the common man is considered one of the defining works of Western art. This composition was one of six created on the theme of the seasons. The time is probably early September. A group of peasants on the left cut and bundle ripened wheat, while the on the right, another group takes their midday meal. One figure is sacked out under a tree with his pants unbuttoned. This attention to detail continues throughout the painting as a procession of ever-granular observations receding into space. It was extraordinary for a time when landscapes served mostly as backdrops for religious paintings.

12. Édouard Manet, Le Déjeuner sur l’herbe, 1863

Manet&rsquos scene of picnicking Parisians caused a scandal when it debuted at the Salon des Refusés, the alternative exhibition made up of works rejected by the jurors of the annual Salon&mdashthe official art exhibition of the Académie des Beaux-Arts that set artistic standards in France. The most vociferous objections to Manet&rsquos work centered on the depiction of a nude woman in the company of men dressed in contemporary clothes. Based on motifs borrowed from such Renaissance greats as Raphael and Giorgione, Le Déjeuner was a cheeky send up of classical figuration&mdashan insolent mash-up of modern life and painting tradition.

13. Piet Mondrian, Composition with Red Blue and Yellow, 1930

A small painting (18 inches by 18 inches) that packs a big art-historical punch, Mondrian&rsquos work represents a radical distillation of form, color and composition to their basic components. Limiting his palette to the primary triad (red, yellow and blue), plus black and white, Mondrian applied pigment in flat unmixed patches in an arrangement of squares and rectangles that anticipated Minimalism.

14. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Las Meninas, or The Family of King Philip IV

A painting of a painting within a painting, Velázquez masterpiece consists of different themes rolled into one: A portrait of Spain&rsquos royal family and retinue in Velázquez&rsquos studio a self-portrait an almost art-for-art&rsquos-sake display of bravura brush work and an interior scene, offering glimpses into Velázquez&rsquos working life. لاس مينيناس is also a treatise on the nature of seeing, as well as a riddle confounding viewers about what exactly they&rsquore looking at. It&rsquos the visual art equivalent of breaking the fourth wall&mdashor in this case, the studio&rsquos far wall on which there hangs a mirror reflecting the faces of the Spanish King and Queen. Immediately this suggests that the royal couple is on our side of the picture plane, raising the question of where we are in relationship to them. Meanwhile, Velázquez&rsquos full length rendering of himself at his easel begs the question of whether he&rsquos looking in a mirror to paint the picture. In other words, are the subjects of لاس مينيناس (all of whom are fixing their gaze outside of the frame), looking at us, or looking at themselves?

15. Francisco de Goya y Lucientes, The Naked Maja, circa 1797–1800

Definitely comfortable in her own skin, this female nude staring unashamedly at the viewer caused quite a stir when it was painted, and even got Goya into hot water with the Spanish Inquisition. Among other things, it features one of the first depictions of public hair in Western art. Commissioned by Manuel de Godoy, Spain&rsquos Prime Minister, The Naked Maja was accompanied by another version with the sitter clothed. The identity of the woman remains a mystery, though she is most thought to be Godoy&rsquos young mistress, Pepita Tudó.

16. Pablo Picasso, Guernica, 1937

Perhaps Picasso&rsquos best-known painting, غيرنيكا is an antiwar cris de coeur occasioned by the 1937 bombing of the eponymous Basque city during the Spanish Civil War by German and Italian aircraft allied with Fascist leader Francisco Franco. The leftist government that opposed him commissioned Picasso to created the painting for the Spanish Pavillion at 1937 World&rsquos Fair in Paris. When it closed, غيرنيكا went on an international tour, before winding up at the Museum of Modern Art in New York. Picasso loaned the painting to MoMA with the stipulation that it be returned to his native Spain once democracy was restored&mdashwhich it was in 1981, six years after Franco's death in 1975 (Picasso himself died two years before that.) Today, the painting is housed at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid.

17. Jean Auguste Dominique Ingres, Grande Odalisque, 1814

Commissioned by Napoleon&rsquos sister, Queen Caroline Murat of Naples, Grande Odalisque represented the artist&rsquos break with the Neo-classical style he&rsquod been identified with for much of his career. The work could be described as Mannerist, though it&rsquos generally thought of as a transition to Romanticism, a movement that abjured Neo-classicalism&rsquos precision, formality and equipoise in favor of eliciting emotional reactions from the viewer. This depiction of a concubine languidly posed on a couch is notable for her strange proportions. Anatomically incorrect, this enigmatic, uncanny figure was greeted with jeers by critics at the time, though it eventually became one of Ingres most enduring works.

18. Eugène Delacroix, Liberty Leading the People, 1830

Commemorating the July Revolution of 1830, which toppled King Charles X of France, الحرية تقود الشعب has become synonymous with the revolutionary spirit all over the world. Combining allegory with contemporary elements, the painting is a thrilling example of the Romantic style, going for the gut with its titular character brandishing the French Tricolor as members of different classes unite behind her to storm a barricade strewn with the bodies of fallen comrades. The image has inspired other works of art and literature, including the Statue of Liberty and Victor Hugo&rsquos novel Les Misérables.

19. Claude Monet, Impression, Sunrise, 1874

The defining figure of Impressionism, Monet virtually gave the movement its name with his painting of daybreak over the port of Le Havre, the artist&rsquos hometown. Monet was known for his studies of light and color, and this canvas offers a splendid example with its flurry of brush strokes depicting the sun as an orange orb breaking through a hazy blue melding of water and sky.

20. Caspar David Friedrich, Wanderer above the Sea of Fog, 1819

The worship of nature, or more precisely, the feeling of awe it inspired, was a signature of the Romantic style in art, and there is no better example on that score than this image of a hiker in the mountains, pausing on a rocky outcrop to take in his surroundings. His back is turned towards the viewer as if he were too enthralled with the landscape to turn around, but his pose offers a kind of over-the-shoulder view that draws us into vista as if we were seeing it through his eyes.

21. Théodore Géricault, The Raft of the Medusa, 1818–1819

For sheer impact, it&rsquos hard to top The Raft of the Medusa, in which Géricault took a contemporary news event and transformed it into a timeless icon. The backstory begins with the 1818 sinking of the French naval vessel off the coast of Africa, which left 147 sailors adrift on a hastily constructed raft. Of that number, only 15 remained after a 13-day ordeal at sea that included incidents of cannibalism among the desperate men. The larger-than-life-size painting, distinguished by a dramatic pyramidal composition, captures the moment the raft&rsquos emaciated crew spots a rescue ship. Géricault undertook the massive canvas on his own, without anyone paying for it, and approached it much like an investigative reporter, interviewing survivors and making numerous detailed studies based on their testimony.

22. Edward Hopper, Nighthawks, 1942

An iconic depiction of urban isolation, صقور الليل depicts a quarter of characters at night inside a greasy spoon with an expansive wraparound window that almost takes up the entire facade of the diner. Its brightly lit interior&mdashthe only source of illumination for the scene&mdashfloods the sidewalk and the surrounding buildings, which are otherwise dark. The restaurant's glass exterior creates a display-case effect that heightens the sense that the subjects (three customers and a counterman) are alone together. It's a study of alienation as the figures studiously ignore each other while losing themselves in a state of reverie or exhaustion. The diner was based on a long-demolished one in Hopper's Greenwich Village neighborhood, and some art historians have suggested that the painting as a whole may have been inspired by Vincent van Gogh&rsquos Café Terrace at Night, which was on exhibit at a gallery Hopper frequented at same time he painted صقور الليل Also of note: The redheaded woman on the far right is the artist's wife Jo, who frequently modeled for him.

23. Marcel Duchamp, Nude Descending a Staircase, No. 2, 1912

At the beginning of the 20th-century, Americans knew little about modern art, but all that abruptly changed when a survey of Europe's leading modernists was mounted at New York City's 69th Regiment Armory on Lexington Avenue between 25th and 26th Streets. The show was officially titled the "International Exhibition of Modern Art," but has simply been known as the Armory Show ever since. It was a succès de scandale of epic proportions, sparking an outcry from critics that landed on the front page of newspapers. At the center of the brouhaha was this painting by Marcel Duchamp. A stylistic mixture of Cubism and Futurism, Duchamp&rsquos depiction of the titular subject in multiple exposure evokes a movement through time as well as space, and was inspired by the photographic motion studies of Eadweard Muybridge and Étienne-Jules Marey. The figure's planar construction drew the most ire, making the painting a lighting rod for ridicule. اوقات نيويورك's art critic dubbed it "an explosion in a shingle factory," and The New York Evening Sun published a satirical cartoon version of Nude with the caption, "The Rude Descending a Staircase (Rush Hour at the Subway),&rdquo in which commuters push and shove each other on their way onto the train. ناقص was one of a handful of paintings Duchamp made before turning full time towards the conceptualist experiments (such as the Readymades and The Large Glass) for which he&rsquos known.


This is just the beginning…

This free oil and watercolor lesson walks you through specific steps to make portrait oil painting and watercolor portrait painting easier. In addition to 38 total portrait painting techniques, you’ll also receive visual insight from top portrait artists to guide you through how to paint a portrait.

Follow the steps of generations of painters who have launched their careers by reading Sanden’s and Rogers’ advice. Learn these painting oil techniques, and expert insight to develop your own painted portraits. Can’t wait to start your lessons on painting oil portraits and watercolor portraits? Get your free eBook now!

Submit The Form To Download

*By providing your email address you will begin to receive our newsletters, special offers and more free content from Artists Network.

Download Your Free Guide on How to Paint a Portrait Today!


شاهد الفيديو: 10 طرق تجعلك تجذب الفتيات دون ان تقول أي كلمة!! (أغسطس 2022).